说到平面设计，我们都不陌生，但具体平面设计是从事什么工作的呢?外行人并不是很清楚，为了让喜爱平面设计的小伙伴更明确自己的职场方向，小编今天来跟大家聊聊这个问题。
不过在了解可以从事什么工作之前，小编觉得大家很有必要先了解平面设计到底是做什么的，那接下来我们一起探讨一下。
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一、平面设计到底是做什么的？
平面设计的概念相信大家都知道了，那平面设计师有哪些工作内容呢？其大致可以分为三类：
1、广告设计。
就是公司会在各种网站和杂志上做广告，广告定期都会换，就需要设计人员来设计平面广告的内容，公司会提供产品，需要设计人员自己拍照，扫描上传，然后排版设计之类的。这个就是平面设计日常工作中，主要需要做的工作。
2、设计新产品。
这就需要你去了解这家公司主要做那些产品。因为公司都会定期向客户推荐产品的不同款式，而这些新款式图样的设计就需要设计人员来做了。所以平面设计需要结合公司新产品的特征，来做一些工作。
3、处理公司的日常产品图片，客户传过来的图片等。
包括公司网站广告图片的设计，还有一些标识VIS之类的，可能在日常的工作中都要涉及到。 要想做好平面设计的工作，前期需要你自己学好各种图片处理软件，还有排版编辑之类的知识。
当然要做好的话，还需要了解该公司涉及的产品，目前这些产品的流行款式等等。
二、学平面设计可以从事什么工作？
学会了平面设计的人，可以应聘杂志、报纸、出版社等大众传播媒体，或是在一些广告公司、图文设计公司、出版行业、企业宣传策划部门、美工设计以及其他有平面设计需求领域的相关平面设计工作岗位。
比方说如今的设计师助理、平面设计师、资深设计师、美术指导、设计总监或是美工、美编等岗位都需平面设计方面的人才，可以说对平面设计人才的需求还是十分广的，就业范围也非常广泛。
三、学平面设计会有发展前途吗？
对于这个问题，小编的答案是肯定的，平面设计是大部分设计的鼻祖，而且设计行业也是有想通之处。
比如，平面设计属于UI设计中的第一个阶段，其工作内容包括包装设计，DM广告设计，海报设计，平面媒体广告设计，样本设计，书刊书籍杂志设计，VI设计工作等。
总体来说涉及的方面比较多，目前各个企业都需要平面设计人才。所以学平面设计只要你有些能力找工作是很容易的。
当然，有没有前途不能完全取决于行业，自身的努力才是最关键的。最后，补充一下，很能理解我们每个人都会对学什么前景好不好、有没有前途有所重视。
但是希望大家不要把这个问题过度的放大，纵横全局，做什么行业都好 ,只有自身付出足够大的努力，才有可能成为业内出色的人。
只要做到每天坚持、不懂就问的话，大部分的人在1、2个月能够学会软件的用法，这个阶段去做下店铺招牌、影楼秀秀照片都是够用的，也就是俗称的美工。好的设计要有发现美的眼光，这就不是一朝一夕可以练就的了。是可以学的会的。
设计是一种能力，更是一种眼界，心里有对美，对细节的感知力，手上有把它们落地的技术，这样才能做个好的设计师。
平面设计的应用最广泛，几乎无处不在。
你有留意过你所在城市中的美术馆和博物馆吗？其中的平面设计承载了不同美术流派的演化和当地的历史。
如今美术馆的作用已经不止局限于基本的陈列展示，教育机构、社交场所、参与文化传播，还有，艺术商店——美术馆有了更多的角色。
除了展品，美术馆有太多你可能随时忽略掉的好设计。可能是售票处的拐角、藏在出口旁的小空间、你没有抬起头看过的标识物……
这些平面设计，它可能决定了一家美术馆的气质。
艺术和设计一直存在相互的渗透和交叉，而平面设计师作为其中辅助性的参与者，在与美术馆有关的各种平台和环境内影响着人们参观时的感受，与观众产生互动。
设计师们负责了文化机构的视觉形象设计，包括标志，海报，出版物，作品说明，导览地图，以及更多从中衍生出的传播介质。
他们往往结合建筑空间和美术馆的特征，发挥自己的个人创意，塑造出美术馆在人们心中的形象。同时，也基于特定的需求，设计出具有功能性的标识体系，两者相辅相成，服务于观众，让平面标识和物理空间有机的结合在一起。
顺应变化着的世界，社会背景和技术的变化发展，设计师们的实践在不同语境下产生了不一样的结果。他们以别具一格的方式，为字符和图案附加了文化属性，体现了平面设计的发展和设计师们的巧妙构思，让文化机构的形象更具吸引力，促使更多的人走进美术馆了解艺术，营造出更加开放、包容的文化场景。
我们选取了数个设计师为不同美术馆设计的视觉系统，尝试让你从这些具有影响力案例中了解平面设计在其中发挥的作用。
1.罗浮宫 Louvre
法国巴黎的卢浮宫作为全球参观人数最多的博物馆，也是全球最为知名的美术馆之一。曾经作为法国统治者的王宫转变为如今面向公众开放的文化机构，见证了法国从封建社会到现代国家的变化，馆藏囊括了众多世界名作，同样记录着人类的历史。
1989 年，以贝聿铭为卢浮宫设计的玻璃金字塔入口建成为契机，卢浮宫的管理团队开始着手博物馆的视觉形象更新，需要设计一个能够代表卢浮宫的标志，以便更好的和公众沟通。
平面设计师 Pierre Bernard 和他参与创立的工作室 Grapus 为卢浮宫设计了标志，契合古典建筑和藏品的特点，希望传达出美术作品中隽永、不被时间影响的美感。设计师与他的合作伙伴在 1968 年巴黎学潮的抗议活动中相识，同为共产主义者，他们相信设计和文化产品能够影响公众，为社会进步做出贡献。
Bernard 选用了 Granjon 字体作为标志的主体， Granjon 是由英国设计师 George W Jones 以十六世纪法国书籍上使用的印刷体为蓝本创造的旧体衬线字体，带有法国文艺复兴风格，与美术馆的视觉风格契合。而另一方面，他们决定截取出单词 Louvre，让标志更加简洁，容易记忆。
在标志的构成上，Bernard 运用了象征性的表达方式。选取了一张带有云朵的天空图像，修长的白色字体飘浮在广阔无限的天空，让标志的组成与观看艺术的体验相关联，呼应了人们仰望天空时的感触，共同指向了一种神秘的、难以用语言形容的崇高体验。
在印刷技术不甚发达的九十年代，带有背景的标志十分罕见。无疑也是最具革新性的，黑白图像给二维标志带来了更为丰富的感受，这一设计也沿用至今日。
设计师还将画作和雕塑从博物馆背景中截取出来，散落在白色背景里，图片之间叠加、拼接在一起，以更加现代的手法演绎了经典作品，设计出博物馆目录。
2.蓬皮杜 Centre Pompidou
蓬皮杜中心由 Renzo Piano 和 Richard Rogers 设计，错综复杂的钢铁结构组成了一座巨大的文化工厂，建筑师将建筑的骨骼和内部结构展现在人们的眼前，在不同的结构和管道漆上鲜明的颜色，区分着功能。
为充满典雅建筑的巴黎带来了的新鲜气息，划时代的高科技风格在今天看来仍然保有激进的特质。
瑞士设计师 Jean Widmer 受邀为中心设计了图案标志，将图案和标志性的建筑外形联系起来，用醒目的几何线条勾勒出从底层贯穿至顶层的扶手电梯，如同旗帜一般。强调着美术馆令人印象深刻的建筑结构。
但实际上，Widmer 原本希望图案能够按照他的设想进行艺术加工，只绘制五条粗线以获得视觉上的理想状态，但决策者与他的理想产生了分歧，坚持要保留六根线条，与实际楼层相符。但最终的结果也获得了大众的认可。
他还为美术馆设计了空间中的标识系统，为了避免庞杂的信息让空间的观感混乱，使用了垂直的标牌，以更好的引导访客的视线。
Widmer 曾就读于苏黎世艺术学院，而当时的校长正是曾在包豪斯担任教授的设计师 Johannes Itten。受 Itten 的色环理论启发，Widmer 设计了馆内的识别系统。用互补色区分了不同的部门。
2000 年至 2008 年期间，由设计了卢浮宫标志的设计师 Bernard 成立的工作室 Atelier de création graphique 继续发展美术馆的平面系统，Bernard 在这期间设计了更加成熟的体系，注重展览宣传和海报以及广告，统一了宣传资料的版式。
自 2009 年起，CL design 在过去的基础上继续完善了馆内的导览标识，为了保证观众能够更有效率的找到展览场地，在标牌方面做出了改善。
大厅内加装了灯箱装置。二极管构成的招牌具有活跃的气息，让空间更加贴近生活。