1、缺乏整体美感。
由于他们缺乏长期性的作业训练，在考试中不能在整体观念的指导下全面推进。在缺乏对整体效果的把握下一味死抠局部，造成局部相互之间关系无法很好地衔接。
2、敏锐感加强。
长时间脱离对象去感受，去编造所谓的画面效果和废弃对客观对象感知能力的训练，那么他就有可能造成感知能力的退化。
3、画面把握不好。
素描写生的对象，或明或暗，或强或弱，或虚或实，都有着它的规律和秩序。写生时如果打乱了这种客观秩序，就会出现零乱琐碎，因而影响画面的整体感。
4、在素描的练习过程中，素描必须着重光线、物体的关系，笔触的描绘手法，将自己眼睛所观察到的形体，具体而微的呈现出来。
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德派素描强敌对“力”的表达。
德派素描非常强调对“力”的表达。所谓“力”，是指蕴含在自然物内部（如人体和山水中）的一种能显现生命活力的心理感知现象，也就是说这种“力”可以明显地从作品物理表面中呈现出来并能引起观者的心理悸动。
我知道这样去定义“力”是很不准确的，但我也实在想不出更合适的表达词语。而在全显光用口语指导我们学习的过程中，他把这种“力”称为“劲儿”，常常要求我们不但要画得准，更要画出那个“劲儿”来，有了对那个“劲儿”的充分表达，形体也就自然准确了。
此外，全显光老师也曾使用过“气韵生动”这个传统中国词语来说明什么是“力”。
对学习者来说，力不会显现在形体表面，它是潜藏于形体内部的模糊存在，想掌握它就必须经过长期刻苦训练。一般说，初学时是不可能知道什么是“力”的，画静止对象也很难对这种存在于心理上的“力”有所感知。
就个人学习体会说，是经过大量运动人体素描训练后才真正感知到生物性的“力”的存在，因此科学的、系列化的训练程序是必不可少的。
通过理性分析与情感表现的结合，从画静止人体、研究几何结构和解剖结构，到最后能凭默写熟练画出正在运动中的人体，是德派素描教学中不可或缺的重要环节和高级阶段。
在莱比锡画派诸多大师的作品中，每每可以看到对“力”的精彩表现（典型者如海森克的作品），但在中国流行的苏式素描训练中通常只重视对“形”的模拟而忽视对内在“力”的表达。有没有对“力”的捕捉和表现，也是德苏两派素描训练体系的重大区别之一。
参考资料来源：百度百科-素描
1、美感的积累。画素描时中不能在整体观念的指导下全面推进，往往是急于求成，在缺乏对整体效果的把握下一味死抠局部，造成局部相互之间关系无法很好地衔接。让整体的美感不能更好的体现出来，局部的构造已经很突出了，而其他地方做的不足，这样的一幅画是得不到好评的。
2.敏锐感加强。长时间脱离对象去感受，去编造所谓的画面效果和废弃对客观对象感知能力的训练，那么他就有可能造成感知能力的退化，失去一个艺术家所应有的敏感性。具体到素描写生中的表现就是千人一面。这是因为作为一个画家重要条件的眼睛已经退化了，学习时要注意细节。
3、把握画面。在最后画面调整时，最容易出现画面灰、效果对比不强烈和画面锁碎的问题。因为画面的黑、白、灰层次缺乏完整统一的对比和变化规律，画面的层次就不清晰，画面的效果就不响亮，至于哪一种成分多点，哪一种成分少点，都要给你的感受而定。
自身的关系是非常重大的，但不管怎样的比例关系，三大基本色调都不应缺少其中的一个。
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以素描表现的目的而言，素描一般用作学生提高造型能力的基本绘描练习，或作为创作前的整理或局部草稿练习、素材的搜集方法，并练习物体形象、动态、量感、质感、明暗、空间、色彩、比例、构图、变化统一、疏密等。
以表现的技巧而言，素描有别于水彩、油画，而是重于线条表现方式，以线条的粗细轻重来描述物体的明暗深浅，并且不须顾虑物体细节的色调色值，画面借由明暗光影的衬托来突显主题，但是也由于失去了彩度的考量，素描在明暗的阶调上，分层的很详细，在不同的微细的明暗变化中，都能展现物体的立体感。
参考资料来源：百度百科——素描
本回答被网友采纳画素描时的注意事项：
1、以石膏像作为初始阶段的教学内容。
由于石膏像是白色，便于观察人物头部形体结构的转折关系及层次差别；而且，石膏像是静态的，为初学者细致耐心观察和描绘对象提供方便。也更直接感受形体与结构的本质。
2、注意整体美感。
很多初学者由于缺乏长期性的作业训练，不能在整体观念的指导下全面推进，往往是急于求成，在缺乏对整体效果的把握下一味死抠局部，造成局部相互之间关系无法很好地衔接。
解决这种关系，就要靠比较的方法，比较色调的深浅，比例的长短、宽窄、大小，比透视关系的远与近、虚与实。根据这种比较，画出来的作品，才是客观对象真实存在的一面。
3、加强敏锐感。
素描训练的根本任务是，捕捉对象的特征和独具个性的差异。如果一个学生长时间脱离对象去感受，去编造所谓的画面效果和废弃对客观对象感知能力的训练，那么他就有可能造成感知能力的退化，失去一个艺术家所应有的敏感性。
4、把握画面。
写生时要注意素描写生的对象，或明或暗，或强或弱，或虚或实，都有着它的规律和秩序。要遵守这种客观秩序，避免零乱琐碎，保证画面的整体感。
5、培养观察力。
在素描的练习过程中，素描必须着重光线、物体的关系，笔触的描绘手法，将自己眼睛所观察到的形体，具体而微的呈现出来。
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一、素描的操作定义：使用单一颜色绘画工具而在画面载体上按照一定的绘制原则而有意塑造物体形态的美术活动。速写是素描的一种变式。素描水平是反映绘画者空间造型能力的重要指标之一。
二、素描中的常见问题和解决方法：
1、形体画得“歪”。
这是由于起草不严格造成的错误。解决的办法是：起草时，左右两边要同时起草，不要等到起完一边，再起另一边。
2、画面太“空”或太”满”。
这是由于构图不当造成的错误。物体太小太集中，就会造成画面的“空”；而物体太大太散，画面就会“满”。解决的办法是：在一开始就要把整个物体的组合外形找准，按照构图的要求做好定位辅助线，在进一步深入的时候，不要轻易改动构图的定位线。
3、轮廓线太“粗”。
这是因为画者还没有树立起“体面”观念。解决的办法是：加强观察感受，排除非素描习惯的干扰，将“粗线”的一侧向暗部或背景过渡。
4、轮廓线过“虚”。
这是因为画者错误地认为：越是立体的物体，它的轮廓越虚；越是后面的物体，它的形体越虚。解决的办法是：依靠观察，依靠感受，了解视觉的“双眼视差”现象，学习造型的“线面”转换关系，不受 “主观”影响，客观地表现对象。
5、透视面过“大”。
初学者常常把物体的侧面画大，这是因为他们对视觉透视缩变现象理解的少。说明，生活中的习惯还影响着画者。纠正的方法是：认真学习透视规律，严格掌握比例关系，客观地表现对象。
6、画面太“灰”。
灰的直接原因是物体亮部画重了，这是由于明暗对比观察不足造成的，应该在调整时加重明暗交界线，提高亮部的明度。
7、画面太“碎”、太“平”、太“板”。
造成这种错误的主要原因是，没有整体观察，整体表现，主次技术掌握不够。解决的办法是：在素描步骤的熟悉造型阶段，就应该综合整理出静物的整体印象，找到静物的主次部分，在刻画中严格按整体和主次的要求进行，并及时作出调整。
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本回答被网友采纳1、一幅画的整体是由若干个局部组成的，没有局部的一幅画是不真实的；然而，一幅画只有局部，没有整体，就算再精彩、再深入也是毫无意义的。素描的目的，不光是练就一手“好活”，而更重要的是培养一种艺术思维的“意境”和如何观察事物的“想法”。
离开了这两点，素描练习也就失去了它的本质意义。既然整体是关系到一幅素描画的成败，那么局部与局部、局部与整体的关系就显得十分重要。
如何解决这种关系，就要靠比较的方法，比较色调的深浅，比例的长短、宽窄、大小，比透视关系的远与近、虚与实。根据这种比较，画出来的作品，才是客观对象真实存在的一面。
2、如果一个学生长时间脱离对象去感受，去编造所谓的画面效果和废弃对客观对象感知能力的训练，那么他就有可能造成感知能力的退化，失去一个艺术家所应有的敏感性。具体到素描写生中的表现就是千人一面。
这是因为作为一个画家重要条件的眼睛已经退化了。无疑，这样的试卷是无法得到高分的。而这些毛病一旦形成就很难纠正。所以学生们要特别注意老师讲到的每一个细节。
3、画面把握不好：这是因为画面的黑、白、灰层次缺乏完整统一的对比和变化规律,，画面的层次就不清晰，画面的效果就不响亮，至于哪一种成分多点，哪一种成分少点，都要给你的感受而定。自身的关系是非常重大的，但不管怎样的比例关系，三大基本色调都不应缺少其中的一个。
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初期的素描是视为绘画的底稿，例如作壁画先要有构想的草稿，然后有素描的底稿，同时也要有手、脸部分精密素描图。
作壁画习惯上是不看模特儿写生的，完全要靠事先准备的习作素描和画家的记忆。近代素描，已脱离了原来的底稿和及作的地位，可以成为艺术品来欣赏。画素描的态度不只培养描写力，同时也培养造型的能力，最后仅仅是素描也可视为作品来欣赏。
参考资料：百度百科-素描
本回答被网友采纳静物素描要注意物体摆放的角度，以及在画画时注意物体间的相互关系。
2、形要准。
注意结构比例，从整体到局部。
3、线条的虚实。
结构素描时为了呈现立体感，要掌握线条的虚实关系，简单地说，就是深浅不一样。
4、阴影
在画静物素描时只有面与面之间的关系，边缘线不能太深，要隐藏到面中，否则会失去立体感。
5、相互关系
不同物体的阴影深浅不一样，注意物体间的相互关系，前后关系等。
6、背景
靠近物体的背景较深，有些物体的边缘线可隐到背景中。
7、线条
注意线条的排线和规律。
（对于素描每个人有不同的风格，基本分为两类，有些粗犷有些细腻，我的建议是大多数人偏爱细腻的画法。）本回答被网友采纳